Barrocos, románticos, contemporáneos: Célebres compositores de piano a lo largo de las eras
Embárcate en la historia del piano, desde el periodo Barroco hasta el Contemporáneo, y descubre más sobre los compositores que definieron cada era.
Última actualización el 19 de abril de 2024
Una guía sobre música de piano barroca, clásica, romántica y contemporánea
Si bien la era clásica, o Clasicismo, concluyó a principios del siglo XIX, el género que llamamos “música clásica” existió desde mucho antes y sigue aplicándose a música compuesta en la actualidad. En este artículo recorreremos la historia de la música de piano, deteniéndonos en cada era para conocer a sus compositores más famosos. También observaremos cómo los cambios en los estilos musicales a menudo ocurrieron en paralelo a la evolución del piano como instrumento.
Antes de que nos adentremos en este viaje, hay algunas cosas a tener en cuenta:
- Las fechas no son exactas. Nadie andaba declarando “Se terminó el Barroco, ahora es todo Clasicismo”. Los gustos y estilos cambian de manera gradual, por lo que los periodos se superponen.
- Nos limitamos a seleccionar compositores de música clásica occidental, dado que lo que nos interesa es el piano, instrumento que no viajó mucho hasta el final de esta línea temporal.
- No se trata de una lista exhaustiva. Nuestro objetivo es ilustrar qué diferenció a cada era a través de sus compositores más influyentes.
A continuación, te damos una probadita del estilo y los principales protagonistas de cada era. Si quieres más recomendaciones musicales, visita nuestro artículo que detalla 14 famosas piezas clásicas para piano.
Barroco (1600-1750)
Hasta aquí, el instrumento más cercano al piano era el órgano. Luego, en el siglo XVI se inventó el clave, o clavecín, el cual pasó a definir la música barroca. El sonido de piano que conocemos se produce mediante martillos que golpean las cuerdas, mientras que, en el clave, las cuerdas son punteadas. O sea que cada nota suena al mismo volumen, sin resonancia.
Este sonido preciso y nítido dio forma a la música barroca. El periodo se caracteriza por partes independientes pero armónicas en ambas manos —una técnica denominada contrapunto tonal complejo— sobre una línea de bajo continuo (el llamado basso continuo). Las piezas a menudo comenzaban con un tema que el compositor luego exploraría mediante variaciones. Esta estructura emocionalmente cautivante continuaría siendo desarrollada por los compositores clásicos y románticos.
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
J.S. Bach (quien no debe confundirse con los otros 50 músicos y compositores de su familia) fue el maestro del Barroco. Sus Variaciones Goldberg son el ejemplo por excelencia de tema y variaciones barrocas; hasta incluyen una famosa aria que demuestra maravillosamente cómo Bach utiliza el contrapunto.
George Frideric Handel (1685-1759)
La música de Handel también demuestra el contrapunto y la ornamentación emblemática del periodo Barroco. Aunque, particularmente, su obra combina influencias alemanas e inglesas, siendo la primera su cultura originaria. Suele elogiarse a Handel por su don para el drama, y no cuesta mucho imaginar sus opulentas piezas interpretadas en las cortes reales de la época.
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Vivaldi fue sacerdote por un tiempo, por lo que podemos apreciar los elementos religiosos de la música barroca. Sus Cuatro estaciones surgieron a finales del Barroco, y ya se pueden sentir elementos estilísticos del Clasicismo asomando, como por ejemplo una estructura más equilibrada y un enfoque en el desarrollo temático.
Clasicismo (1750-1820)
Esta es la era clásica a la que nos referimos al comienzo de este artículo, que no debe confundirse con el género de música clásica en general. Durante esta época, el clave dio paso al fortepiano, que pronto se convirtió en el instrumento de teclado predominante.
Los pianistas ahora tenían mucho más control del sonido; por ejemplo, podían tocar suave o fuerte, o sostener notas si lo deseaban. Las posibilidades de expresión se abrieron por completo, lo que llevó a la evolución del estilo.
La música clásica tiene una textura más ligera que la barroca, moviéndose en general hacia líneas melódicas más claras tocadas sobre acordes. Fue una era más de elegancia que de seriedad.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
En sus escasos 35 años de vida, Mozart paso de ser un niño prodigio a uno de los compositores más influyentes de todos los tiempos. Tenemos un artículo entero que detalla la música más adorada de Mozart, desde su primera composición hasta su obra maestra póstuma. Pero una pieza que captura a la perfección el estilo de Mozart y del periodo clásico en general es su Pequeña serenata nocturna.
Joseph Haydn (1732-1809)
Haydn fue una importante influencia tanto para Mozart (su amigo) como para Beethoven (su alumno). Definió en gran medida una cantidad de formas musicales durante el Clasicismo, entre las que destacan la sonata, la sinfonía y el cuarteto de cuerdas. De hecho, entre sus apodos están “El padre de la sinfonía” y “El padre del cuarteto de cuerdas”.
Su ocurrencia e ingenio impregnaron su música de un expresivo toque personal que no solo moldeó la era clásica, sino que sentó las bases para el periodo romántico que vendría después.
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Beethoven fue tan prolífico e innovador que su música se suele dividir en tres periodos. En su periodo inicial logró dominar el estilo “vienés” de Mozart y Haydn, pero le aportó más expresión y escala a sus composiciones.
Durante su periodo medio, Beethoven estuvo a la vanguardia empujando la música del Clasicismo hacia el Romanticismo, abandonando las estructuras rígidas por algo más expresivo. Su sonata Claro de luna es el ejemplo perfecto, puesto que se publicó en 1801, marcando el comienzo de la siguiente era.
Romanticismo (1800 a principios de 1900)
La Revolución Industrial trajo consigo el piano moderno que todos conocemos. Su rango ampliado de 88 teclas y su poderoso sonido resonante hicieron posible la expresión y emoción del Romanticismo. Mientras el Barroco y el Clasicismo giraron en torno a formas musicales específicas con estructuras definidas, la música del Romanticismo buscaba transmitir un sentimiento.
Una mayor libertad implicó nuevos tipos de piezas —nocturnos, fantasías y preludios — que no temían utilizar disonancia o texturas progresivas. El auge de los viajes significó que los compositores ya no estaban limitados a las cortes reales o los conservatorios de larga data. Comenzaron a filtrarse influencias de todas partes del mundo y los compositores empezaron a usar la música para describir imágenes de países: los propios o ajenos.
Franz Schubert (1797-1828)
Al igual que Beethoven, Schubert abarca el Clasicismo y el Romanticismo. En sus obras podemos presenciar el traspaso de la formalidad y claridad estructural clásicas; por ejemplo, de La trucha, que compuso con apenas 22 años...
... al estilo emocionalmente expresivo, profundamente romántico de la siguiente sonata, compuesta en sus últimos meses de vida.
Frédéric Chopin (1810-1849)
Chopin no solo fue un compositor y pianista virtuoso; probablemente fue una de las primeras estrellas musicales, con todo y notoria vida amorosa y misteriosa imagen pública: solo tocó en público unas treinta veces durante su vida.
Compilamos nuestras obras favoritas de Chopin en un artículo separado (en inglés) pero el siguiente nocturno ilustra muy bien el talento del compositor para desplegar las posibilidades expresivas del piano.
Johannes Brahms (1833-1897)
Brahms logró un magnífico equilibrio entre tradición e innovación, fundiendo el meticuloso estilo musical del Clasicismo con las profundas emociones del Romanticismo. Rechazaba la opulencia de los demás compositores románticos y creía fervientemente que la música podía valerse por sí misma sin necesidad de un relato externo.
El resultado fue algo abstracto, pero emocionalmente pleno a la vez; lo que muchos denominaron “música absoluta”.
Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Hablando de compositores románticos opulentos... Tchaikovsky representa la grandiosidad del periodo a la perfección. Su música era majestuosa, mística y con una mirada nacionalista de su Rusia natal; iba más allá de los estereotipos de la música rusa y occidental de la época.
Intensamente emocional, motivado por la narrativa y con una melodía inolvidable, el tema del cisne de El lago de los cisnes es Tchaikovsky en su máxima expresión.
Siglo XX y periodo contemporáneo (principios del 1900 al 2000)
Por estas épocas, el piano empezó a surgir en otros géneros: blues, jazz y teatro musical en un principio, sembrando las semillas del rock, el pop y la música electrónica que seguirían. La música clásica de piano no perdió importancia, pero frente al auge de la música grabada y los géneros de todas partes del mundo, los compositores expandieron sus horizontes. Algunos, como George Gershwin, incluso compusieron tanto música clásica como popular.
Todo esto marcó al inicio del siglo XX como una mezcolanza de subgéneros, del impresionismo al posromanticismo al expresionismo. Y más estilos se sumaron tras la Segunda Guerra Mundial, como el neorromanticismo el experimentalismo y el minimalismo. Puedes descubrir los detalles por tu cuenta, por ahora basta con saber que se trató de una época donde la música de piano adoptó una multitud de vidas.
Claude Debussy (1862-1918)
Debussy llevó la libertad y la expresión del Romanticismo un paso más lejos, creando lo que llamó “bocetos sinfónicos”. Se le considera generalmente como el primer compositor impresionista, aunque él renegaba del término. Solo basta con escuchar su extraño y evocador Claro de luna para oír cómo desarrolló su propio estilo de armonía y color musical.
Erik Satie (1866-1925)
El fin del Romanticismo giró en torno a la experimentación y Satie era claramente un inventor. Un excéntrico en el mejor sentido de la palabra, él prefería denominarse fonometrista (alguien que mide los sonidos) en vez de músico, e inventó el término Gymnopédie para su serie de piezas más entrañables.
Sergei Prokofiev (1891-1953)
Al igual que muchos otros compositores rusos, Prokofiev volcó mucho de su patria en su música, a pesar de vivir la mayoría de su vida en los Estados Unidos y Europa. Escucha su pieza Historiette para oír como se combinan estas influencias; además de cómo empleaba la disonancia y los choques para evocar emociones.
Claro que, ¡esto no es todo! La música clásica de piano sigue viva. Nos valemos de ella para transmitir emociones en bandas sonoras de cine y televisión, como el mágico Tema de Hedwig de Harry Potter o el colosal tema principal de Juego de Tronos.
También nos impulsa hacia adelante en videojuegos como Tetris, Super Mario y Zelda, por nombrar apenas algunos. Si tienes ganas de descubrir más música clásica contemporánea, ¡nuestro artículo sobre música de videojuegos para piano (en inglés) es un excelente lugar para comenzar!
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